Dossier de Presse "Les messages de l'art"

Namba013

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• Publié par: Musee_des_beaux-arts_de_Nantes
• Publié le: 31 mai 2013
• Nombre de lectures: 53
• Langue: Français

Extrait

Les messages de l’art   7 juin-15 septembre 2013   Musée des Beaux-arts de Nantes Chapelle de l’Oratoire            

 

              DOSSIER DE PRESSE   Présentation à la presse > Mercredi 5 juin 2013 à 11h30  

Sommaire  

 

COMMUNIQUE DE PRESSE.........................................................................................................................3 

LES ARTISTES PRESENTES DANS L’EXPOSITION.............................................................................................4 

EXTRAITS DE TEXTE / KURT WETTENGL.......................................................................................................5 

AUTOUR DE L’EXPOSITION.......................................................................................................................12 

INFORMATIONS PRATIQUES.....................................................................................................................15    Contact presse Véronique Triger T : 02 51 17 45 40 / 06 84 95 92 90 [e-mail]    Commissaire général : Blandine Chavanne, conservatrice en chef, directrice du musée des Beaux-arts de Nantes Commissaire : Alice Fleury, chargé de la collection d’art contemporain au musée des beaux –arts de Nantes      Commissariat scientifique: Kurt Wettengl, directeur du musée de Dortmund   Catalogue publié par les éditions Analogues   Partenariats media : Exponautes, Haut-Parleur, Wik   - 2 -  

COMMUNIQUE DE PRESSE

Chapelle de l’Oratoire Les messages de l’art 7 juin-15 septembre 2013   Tous les jours de 10h à 18h Jeudi de 10h à 20h Fermé le mardi   Pendant le voyage à Nantes : 28 juin -1er septembre Tous les jours 10h-19h     Vito Acconci, Marina Abramovic, Francis Alÿs, Jacques Blanchard, Christian Boltanski, Angela Bulloch, Maurizio Cattelan, Georges de la Tour, Robert Filliou, Carsten Höller, Fabrice Hyber, Olivier Menanteau, Annette Messager, Giulio Paolini, Régis Perray, Joachim Pfeufer, Mathias Stomer, Rosemarie Trockel, Claude Vignon.   Alors que le projet de rénovation et d’extension est en cours, le musée invite à découvrir autrement les collections. AvecLes Messages de l’art,    le musée expérimente une nouvelle approche des œuvres. Invité par le musée des Beaux–arts de Nantes, Kurt Wettengl, directeur du musée de Dortmund en Allemagne, a conçu une exposition qui interroge le rôle du musée comme lieu propice à l’exercice du regard. Au cœur du projet une sélection d’œuvres du 17 e  au 21 e  siécle sont confrontées les unes aux autres,   provoquant ainsi des échanges inédits, par-delà les siècles, les mouvements et les langages artistiques.    L’histoire de la chapelle de l’Oratoire a été un élément essentiel dans l’élaboration de ce projet. Cette chapelle a été construite au 17 e  siècle par la Congrégation des Oratoriens qui l’occupe jusqu’à la fin du 18 e  siècle et dont la mission première est celle de l’enseignement. Désaffectée sous la révolution, elle connaîtra par la suite diverses fonctions – notamment religieuses – avant de devenir un espace d’exposition dévolu au musée. La Chapelle n’est plus un lieu de pratique et d’éducation religieuse mais un lieu d’expositions.    Une vingtaine d’artistes de générations et d’horizons très différents sont ici réunis. Les œuvres sont autant d’incitations à porter un regard nouveau sur le monde, des invitations – explicites ou implicites – à agir au sein de la société, à apprendre et à adopter une attitude nouvelle ou différente…  L’objet de cette proposition est moins un discours sur l’histoire de l’art et la permanence des sujets qui préoccupent les artistes qu’un espace particulier de transmission et de réflexion. Kurt Wettengl réaffirme la spécificité d’un musée d’art, à savoir à la fois une mission pédagogique et d’agitateur d’idées.

   

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LES ARTISTES PRESENTES DANS L’EXPOSITION    MARINA ABRAMOVIC VITO ACCONCI FRANCIS ALŸS JACQUES BLANCHARD CHRISTIAN BOLTANSKI ANGELA BULLOCH MAURIZIO CATTELAN GEORGES DE LA TOUR ROBERT FILLIOU CARSTEN HÖLLER FABRICE HYBER OLIVIER MENANTEAU ANNETTE MESSAGER GIULIO PAOLINI RÉGIS PERRAY JOACHIM PFEUFER MATTHIAS STOMER ROSEMARIE TROCKEL CLAUDE VIGNON

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EXTRAITS DE TEXTE / KURT WETTENGL

    Marina Abramović Art must be beautiful. Artist must be beautiful 1975 Les questions fondamentales sur l’énergie corporelle et mentale, sur ses limites et ses possibilités de dépassements traversent tout l’ œuvre de l’artiste de performance Marina Abramović, des premières performances en solo de la fin des années soixante jusqu’à celles d’aujourd’hui. Ces questions, elle les explore dans ses voyages dans le monde entier, en rencontrant et vivant avec des personnes de cultures étrangères. Ainsi elle a pu constater que les rituels et les répétitions engendraient une énergie intense 1 .     Vito Acconci Pryings 1971 La performance dans laquelle Acconci procède avec une certaine tendresse fait penser à l’un des mythes les plus célèbres de l’Antiquité qu’Ovide rapporte dans sesMétamorphoses. Selon ce dernier, le sculpteur Pygmalion s’était épris de la statue qu’il avait conçue ; à sa demande, Vénus l’avait douée de vie. À la différence du mythe antique dans lequel s’accomplit le rêve de l’artiste de voir sa création s’animer, chez Acconci, le rêve ne se réalise pas : le plasticien ne parvient pas à voir « l’âme » à travers l’œil, il ne peut pas non plus amener la femme à voir ou regarder. La lutte dramatique entre les deux personnages – le regard que l’on tente de forcer et le refus que ce dernier oppose – peut être comprise comme une métaphore de l’art et de la relation entre l’artiste et le spectateur.     Francis Alÿs El Gringo 2003   DansEl Gringo, nous faisons l’expérience de ce que signifie arriver du dehors dans un lieu inconnu. Alÿs le montre clairement et de façon inquiétante : au Mexique, dans l’État d’Hidalgo, un étranger aborde un village qui semble abandonné et que des chiens de rue défendent contre les étrangers comme lui. Il s’approche de ce                                                 1  Toni Stoss (dir.),Marina Abramović. Artist Body, Milan, 1998, p. 44. - 5 -      

lieu déserté qui, à première vue, n’apparaît pas aussi repoussant qu’il le sera. Nous devenons des observateurs directs, mais impuissants, à mesure que l’artiste filme à l’aide d’une caméra portative le comportement d’abord prudent, puis de plus en plus agressif, des chiens errants, de telle façon que les chiens s’avancent très près –    comme nous, les spectateurs.     Jacques Blanchard   La Mort de Lucrèce 1638 Le viol de Lucrèce par Sextus, le fils du roi Tarquin le Superbe, la poursuite de ce dernier par Brutus et le suicide de la femme déshonorée font partie du mythe fondateur de la République romaine. Dans le contexte du discours sur le suicide de Montaigne à Montesquieu, le tableau de Blanchard apparaît comme une contribution visuelle au débat sur le suicide et l’autodétermination de l’homme, plutôt qu’une œuvre centrée sur la vertu : le XVII e   siècle est une époque « où la question du libre arbitre est au cœur de débats philosophiques et théologiques, prend un relief particulier, et pose la question de la liberté de l’homme et de sa responsabilité face a ses devoirs 2  ».     Christian Boltanski Monuments : Les Enfants de Dijon 1986 Dans cette installation, Christian Boltanski a associé en 1986 des photographies d’enfants qu’il avait utilisées une première fois en 1973 dans son œuvrePortraits  des élèves du CES des Lentillères réalisée pour le collège de Dijon. Ces nombreux portraits anonymes peuvent faire penser à des avis de recherche d’enfants disparus ou évoquer des clichés d’enfants qui, photographiés dans des moments de bonheur, ont par la suite été victimes de délits individuels ou de crimes systématiques comme la Shoah.     Angela Bulloch Disco Floor - Bootleg 16 2002 Avec cette piste de danse clignotante, Angela Bulloch fait fusionner la peinture abstraite des premières avant-gardes et les formes minimalistes des années soixante avec la technique numérique et la culture visuelle des boîtes de nuit. La grille des surfaces rappelle ainsi des pièces au sol minimales de Carl Andre, les cases de couleur évoquent les œuvres d’art abstrait de Piet Mondrian ou les                                                 2  Cat. exp.Figures de la passion, musée de la Musique, Paris, 2001, cat. n° 37 :La Mort de Lucrèce   (auteur : Philippe Malgouyes). - 6 -       

trames dues au hasard d’Ellsworth Kelly dans les années cinquante 3 . Angela Bulloch crée ainsi des occasions de se souvenir d’expériences esthétiques, d’enrichir ses perceptions au musée.     Maurizio Cattelan Sans titre 1997 Le musée est le lieu de la vue, de la perception consciente – tout y est orienté sur le sens de la vue. Les artistes des avant-gardes historiques n’ont cessé de critiquer les conditions qu’impliquait ce dispositif. À la fin du XX e  siècle, la critique de l’institution révéla aux visiteurs les conditions dans lesquelles ils abordaient l’art dans l’institution du musée et les galeries. Et que fait Maurizio Cattelan ? Conscient des efforts déployés avant lui dans l’art, avec beaucoup d’humour et sur le mode de la fable, il montre aux visiteurs que l’on peut aussi refuser la vue.     Fabrice Hyber POF n° 87, Voiture 1997 En 1994, Fabrice Hyber fonde la société UR (Unlimit ed Responsibility) dont l’objectif est de « valoriser les producteurs, traverser et rapprocher des territoires divers et surtout agir, faire 4  ». Depuis, il a produit un œuvre foisonnant en constante évolution, dont les formes hybrides résultent de l’appropriation, la copie ou la reproduction d’objets de la vie quotidienne, où les pièces nouvelles peuvent être vues comme l’écho d’œuvres plus anciennes. Le plasticien désigne ses objets du nom de POFs (Prototypes d’Objets en Fonctionneme nt) car son travail d’appropriation et de recréation artistique en fait des pièces uniques. L’automobile présentée est le modèle Wartburg 353, voiture produite en RDA de 1965 à 1988. Comme, dans les pays communistes, cette voiture ne pouvai t qu’avancer vers le futur, le POF n° 87, voiture nouvellement assemblée avec levier de vitesse au plancher et pilotage dans deux direct ions, est une ironie postcommuniste sur l’échec de cette utopie. Hyber considère cependant ses objets comme une « prothèse mentale qui prolonge la pensée par le corps 5  », si bien que cette voiture n’évoque pas seulement le passé.                                                       3  Voir à ce sujet les contributions d’Helmut Draxler, de Branden W. Joseph et les commentaires d’œuvres par Dominic Eichler dans cat. exp.Angela Bulloch : Prime Numbers, Cologne, 2006. 4   http://hyber.tv/bio, consulté le 5 avril 2013. 5   Ibidem.   - 7 -  

Robert Filliou A world of false fingerprints(« Un monde de fausses empreintes digitales »)   1974 Filliou estimait que chaque homme était un « génie » capable de développer ses facultés. Selon lui, la créativité peut libérer les aptitudes innées de l’homme pour concrétiser les idées refoulées par le système actuel. Filliou a formulé le concept de « Création Permanente » qui résume formellement son attitude devant l’art et devant la vie à partir du début des années soixante. Ainsi, la vie, de même que l’art, doit être considérée comme un processus créatif per manent. En vertu du « Principe d’Équivalence » énoncé par Filliou, tout est équivalent et peu importe qu’un travail artistique soit « bien fait », « mal fait » ou « pas fait ».     Robert Filliou/ Joachim Pfeufer Fichier Poï Poï,     Fichier de 1963 à maintenant En 1963, Robert Filliou et Joachim Pfeufer développent l’idée duPoïpoïdrome   comme un centre censé incarner le principe de « Création Permanente ». Son effacement par rapport à la forme ou, lorsqu’il travaille malgré tout sur des objets, l’emploi qu’il fait de matériaux simples, caractérisent la démarche artistique de Filliou. Le fugace et l’éphémère imprègnent sa démarche et leFichier   Poïpoï   renvoie en tant que vestige au fondement conceptuel de son œuvre artistique. Il se rattache ici à la pensée de l’architecte et artiste Joachim Pfeufer qui, depuis 1990, poursuit les manifestations dePoïpoïdromes et continue à se servir de cette boîte à outils conceptuelle. Tout le monde est invité à participer.     Carsten Höller Rucksack of the Expedition Equipment for the Exploration of the Self 1995 Cet équipement peut être porté dans le but d’explorer le monde avec un œil nouveau – mais pas obligatoirement. Lorsque le sac à dos est porté pendant la marche, le protagoniste qui regarde dans le miroir va constamment à la rencontre de sa propre image inversée. Le spectateur ne voit pas le chemin devant lui, il se voit lui-même dans l’instant présent. Höller a qualifié cette œuvre et d’autres pièces comparables d’« aides », « outils » et de « constructions analogues à des agrès 6  ». Nous pourrions aussi les définir comme des prothèses artistiques pour l’exploration temporaire du monde et de soi.                                                   6  Carsten Höller, « Der Geruch, die Vogeljagd, das Essen und die Kunst. Ein Gespräch von Heinz- Norbert Jocks », dansKunstforum International, vol. 159, mai 2002, p. 177-187, ici p. 184.    8- -  

Georges de La Tour Le Songe de saint Joseph Première moitié du XVII e  siècle Comme le tableau de Claude Vignon, celui de Georges de La Tour a été acquis par le musée des Beaux-Arts avec la collection de François Cacault en 1810. Ainsi, ces deux peintures, soustraites de manière définitive à leur contexte religieux, sont devenues des œuvres d’art dans lesquelles la signification historique et artistique a remplacé la fonction religieuse.     Olivier Menanteau   Une sélection de neuf photos dont Mercure Grand Hotel Ibirapuera, Edificio Copan, Hospital das Clinicas Sao Paulo 2004 Les photographies d’Olivier Menanteau abordent la vie sociale sur différents lieux de travail : elles montrent des employés du secteur tertiaire et saisissent des hommes de science et des artistes dans des entretiens scientifiques et dans des situations de transmission et d’exercice. Ces images reflètent les exigences qui sont imposées aux gens dans les lieux de socialisation, en termes de renoncement quotidien e t de contrôle sur soi permanent. Les intéressés ne paraissent pas en souffrir et poursuivent leurs tâches. Grâce aux clichés de Menanteau, nous devenons des observateurs secondaires et pouvons tirer des conclusions autres que celles des acteurs directement impliqués.     Giulio Paolini Mimesi  1976/88 Les deux statues sont absorbées dans un jeu communicatif que nous ne sommes pas à même de pénétrer en tant que spectateurs. Paolini s’intéresse avec constance à l’essence de l’art et à notre mémoire culturelle qui, depuis la Renaissance, inclut évidemment l’histoire de l’art de l’Antiquité. Il explore également la question romantique de l’importance de l’original lorsqu’il choisit à chaque fois, dans le cas de la série intituléeMimesi à laquelle il travaille depuis les années soixante-dix, deux copies identiques des mêmes sculptures antiques pour créer une nouvelle œuvre d’art, conto urnant ainsi la notion d’unicité.                 

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Régis Perray Bataille de neige contre tag nazi 2004   L’intérêt pour les situations, les états et les choses est au cœur du travail artistique de Régis Perray et caractérise sa démarche artistique. Sans précaution aucune, mais dans l’engagement de tout son corps, Perray a tenté de recouvrir de boules de neige des graffitis nazis sur un mur de la ville de Lublin. Sachant que cette action ne peut être un nettoyage définitif, il faut la comprendre au sens symbolique : les attitudes antisémites et x énophobes doivent être combattues autrement et les crimes nationaux-social istes doivent toujours demeurer dans la mémoire comme des mises en garde.     Mathias Stomer Saint Jérôme Première moitié du XVIIe siècle   Cette image de saint Jérôme tournant un regard implorant vers le Crucifix et plongé dans une intense méditation est caractéristique de la Contre-Réforme, elle exhorte les catholiques à renforcer leur foi et à réfléchir sur la mort.     Rosemarie Trockel   À la Motte 1993 Le titre de cette courte vidéo est un jeu de mots franco-allemand sur l’expression « à la mode » et le terme allemand désignant la mit e, Motte ». Le film est« cependant plus qu’une parodie du comportement de l’insecte ou du désir d’être toujours « à la mode ». C’est plutôt un symbole de l’être humain et de sa démarche créatrice. Alors que dans l’iconographie de la peinture religieuse depuis le Moyen Âge et dans la peinture de natures mortes du XVII e  siècle, la mite, comme l’insecte en général, est un symbole du caractère éphémère de la vie sur terre et donc des ambitions vaines ou « vanités », chez Trockel, l’an imal incarne plutôt la productivité créative : la recréation est confrontée à la désagrégation.      

   

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Claude Vignon Saint Pierre repentant   Vers 1635-1638   Le tableau peint dans les années 1630 a été acquis en 1810 par la ville de Nantes avec d’autres œuvres de la collection François Cacault. Le message initialement religieux de l’œuvre changea fondamentalement dans son nouveau contexte bien que le tableau demeurât le même en substance. C’est au musée véritablement que le tableau s’est transformé d’objet de culte en « c hef d’œuvre », même si le changement s’était déjà opéré dans la collection Cacault. Le public bourgeois adopta le langage dévotionnel de l’Église et des fidèles pour aborder l’œuvre d’art. À force, le silence recueilli devant les images devint un comportement approprié face aux œuvres d’art dans le musée.   Extraits des notices d’œuvres écrites par Kurt Wettengl pour le catalogue de l’exposition     A propos de Kurt Wettengl   Né en 1954, Kurt Wettengl fut le directeur du service des collections du Musée Historique de Francfort avant de devenir le directeur du musée Ostwall à Dortmund en 2005. Il a été l’instigateur de la nouvelle identité du musée Ostwall, à la suite de son déménagement dans la tour Dortmund-U - Centre de la culture et de la créativité. En effet, prenant pour modèle l’approche novatrice de l’historien de l’art Alexander Dorne à propos du rôle des musées. Kurt Wettengl définit ainsi le musée Ostwall comme une « centrale électrique », stimulant la créativité des artistes contemporains qui tirent leur inspiration dans la vie quotidienne. Ainsi, les collections et la politique d’expositions du musée Ostwall attestent du lien entre l’art et la vie, l’art se présentant comme une constante réflexion des développements historiques et sociétaux.   Ces dernières années, le musée Ostwall à Dortmund a notamment présenté les expositions suivantes   : ·   Fluxus - Kunst für Alle! (Kluxus – L’art pour tous!) 25.08.2012 - 06.01.2013 „Kunst ist, was das Leben interessanter macht als Kunst“ (« L’art est ce qui rend la vie plus intéressante que l’art ») Robert Filliou ·   Heinz Mack - Zwischen den Zeiten (Entre les temps) 06.05.2012 - 29.07.2012 ·   Alex Katz: Der perfekte Augenblick (L’instant parfait) 20.01.2012 - 09.04.2012    

   

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