Claude Monet: Vol 1
182 pages
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Description

C’est avec Impression, soleil levant, exposé en 1874, que le peintre Claude Monet (18401926) se fait connaître du grand public et donne naissance au mouvement impressionniste. Tout au long de sa vie, il essaya de saisir les mouvements naturels autour de lui et de les traduire en sensations visuelles sur ses toiles. Personnalité complexe, peintre brillant, Monet est aujourd’hui mondialement reconnu pour ses compositions intimes et poétiques, ses séries de nénuphars et ses paysages représentant une nature vivante et belle. Il laisse derrière lui des chefsd’oeuvre qui
fascinent encore aujourd’hui les amateurs d’art à travers le monde.
Dans cet ouvrage composé de deux volumes illustrés, Nathalia Brodskaïa et Nina Kalitina nousv invitent à un voyage à travers le temps pour découvrir ou redécouvrir l’histoire d’un mouvement et d’un peintre aux destins à jamais liés : Claude Monet et l’impressionnisme. Spécialistes de l’art des XIXe et XXe siècles, les deux auteurs mettent en lumière la naissance de la modernité en peinture, véritable révolution qui a rendu possible l’épanouissement du paysage artistique du XXe siècle.

Sujets

Informations

Publié par
Date de parution 31 décembre 2015
Nombre de lectures 0
EAN13 9781785256998
Langue Français
Poids de l'ouvrage 4 Mo

Informations légales : prix de location à la page 0,0025€. Cette information est donnée uniquement à titre indicatif conformément à la législation en vigueur.

Exrait

Auteur :
Nathalia Brodskaïa et Nina Kalitina

Mise en page :
Baseline Co Ltd
61A-63A Vo Van Tan Street
4 e étage
District 3, Hô Chi Minh-Ville
Vietnam

© Confidential concepts, Worldwide, USA
© Parkstone Press USA, New York
Image-Bar www.image-bar.com

Tous droits d’adaptation et de reproduction réservés pour tous pays.
Sauf mention contraire, le copyright des œuvres reproduites se trouve chez les photographes qui en sont les auteurs. En dépit de nos recherches, il nous a été impossible d’établir les droits d’auteur dans certains cas. En cas de réclamation, nous vous prions de bien vouloir vous adresser à la maison d’édition.

ISBN : 978-1-78525-699-8
Nathalia Brodskaïa et Nina Kalitina



Claude Monet
Volume 1
Impression, soleil levant, 1873.
Huile sur toile, 48 x 63 cm. Musée Marmottan Monet, Paris.
Sommaire


Préface
Monet, l ’ homme
L ’ Impressionnisme
Les Impressionnistes et l ’ école classique
Les Prédécesseurs
L ’ Exposition des impressionnistes
Les Peintres impressionnistes
Édouard Manet (1832-1883)
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)
Alfred Sisley (1839-1899)
Camille Pissarro (1830-1903)
Edgar Degas (1834-1917)
Berthe Morisot (1841-1895)
Sa Vie : enfance et adolescence
Sa Vie : premiers pas
Sa Vie : lutte contre la tradition
Liste de s illustrations
Pierre-Auguste Renoir , Portrait de Claude Monet , 1875.
Huile sur toile, 85 x 60,5 cm. Musée d’Orsay, Paris.


Préface


Impression , soleil levant , ainsi s’intitulait un des tableaux de Claude Monet présenté en 1874, à la première exposition de la « Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs, graveurs, etc. ». En prévision de cet événement, il sélectionna pour l’exposition les meilleurs de ses paysages havrais. Le journaliste Edmond Renoir, frère du peintre, s’occupait de la rédaction du catalogue. Il reprocha à Monet l’uniformité des titres de ses tableaux : le peintre n’avait rien inventé de plus intéressant que Vue du Havre . Parmi d’autres, il y avait un paysage peint le matin de bonne heure. Un brouillard bleuté y transforme en fantômes les contours des voiliers, des silhouettes noires de bateaux glissent sur l’eau et, au-dessus de l’horizon, se lève le disque orange et plat du soleil, qui trace sur la mer un premier sentier orange. Ce n’est même pas un tableau, mais plutôt, une esquisse spontanée à la peinture à l’huile ; il n’y a qu’ainsi que l’on peut saisir cet instant si fugitif où la mer et le ciel se figent en attendant la lumière aveuglante du jour. Le titre, Vue du Havre , ne convenait manifestement pas à ce tableau : le Havre en est totalement absent. « Écrivez Impression », dit Monet à Edmond Renoir, et ce fut là le début de l’histoire de l’impressionnisme. Le 25 avril 1874, le critique Louis Leroy publia, dans le journal Charivari , un article satirique qui racontait la visite de l’exposition par un artiste officiel. À mesure qu’il passe d’un tableau à un autre, le maître peu à peu perd la raison. Il prend la surface d’une œuvre de Camille Pissarro, représentant un champ labouré, pour les raclures d’une palette jetées sur une toile sale. Il n’arrive pas à discerner le bas du haut et un côté de l’autre. Le paysage de Claude Monet intitulé Boulevard des Capucines l’horrifie. C’est justement à Monet qu’il revient de porter à l’académicien le coup fatal. S’étant arrêté devant un paysage du Havre, il demande ce que représente ce tableau : Impression , soleil levant . « Impression, j’en étais sûr », marmonne l’académicien. « Je me disais aussi, puisque je suis impressionné, il doit y avoir de l’impression là-dedans… et quelle liberté, quelle aisance dans la facture ! Le papier peint à l’état embryonnaire est encore plus fait que cette marine-là ! ». Sur quoi, il se met à danser la gigue devant les tableaux, en s’écriant : « Hi ! Ho ! Je suis une impression ambulante, je suis une spatule vengeresse ! » Leroy intitula son article : « L’Exposition des impressionnistes ». Avec une agilité d’esprit purement française, à partir du titre du tableau, il avait forgé un nouveau mot. Il se trouva être si juste qu’il fut destiné à rester pour toujours dans le vocabulaire de l’histoire de l’art. « C’est moi-même qui ai trouvé le mot », dit Claude Monet en répondant aux questions d’un journaliste en 1880, « ou qui, du moins, par un tableau que j’avais exposé, ai fourni à un reporter quelconque du Figaro l’occasion de lancer ce brûlot. Il a eu du succès comme vous voyez ».
Pierre-Auguste Renoir , Claude Monet , 1872.
Huile sur toile, 65 x 50 cm. National Gallery of Art, Washington, D.C.


Monet, l’homme


Gustave Geffroy, ami et biographe de Claude Monet, a reproduit dans sa monographie sur le peintre deux de ses portraits. Sur le premier, réalisé par un artiste sans renom, Monet a dix-huit ans. Un jeune homme brun portant une blouse à rayures est assis à califourchon sur une chaise, les bras pliés appuyés sur le dossier. Cette pose est pleine d’ingénuité et de vie ; sur le visage encadré par des cheveux tombant jusqu’aux épaules se lit l’anxiété (dans les yeux) et la volonté (ligne de la bouche, menton).
La seconde partie du livre de Geffroy s’ouvre sur le photoportrait de Monet à l’âge de quatre-vingt-deux ans. Un vieillard trapu à la barbe blanche en éventail se tient debout sur ses jambes largement écartées. Monet est tout calme et sagesse, il connaît la valeur des choses et ne croit qu’en la force immortelle de l’art. Ce n’est pas sans raison qu’il a voulu poser avec sa palette dans les mains, sur le fond d’un panneau de la suite des Nymphéas . Il existe de nombreuses représentations de Monet : autoportraits, œuvres d’amis parmi lesquelles celles de Manet et de Renoir, photoportraits de Carjat et Nadar qui ont gravé les traits de l’artiste à différents moments de sa vie.
De nombreuses descriptions de Monet nous sont parvenues, plus fréquentes après que le peintre fut devenu célèbre, quand journalistes et hommes de lettres cherchaient à le rencontrer.
Comment Monet apparaît-il à nos yeux ? Selon une photographie des années 1870, c’est un homme déjà mûr, à la barbe et à la moustache épaisses et noires. Un front légèrement recouvert de cheveux coupés court et des yeux bruns très vifs. Tout son visage exprime l’énergie et l’assurance. C’est Monet, dans une lutte tendue et sans merci pour affirmer de nouveaux idéaux esthétiques. Un autoportrait datant de 1886 le représente coiffé d’un béret.
C’est à cette époque que Geffroy fit sa connaissance à Belle-Île sur la côte sud de la Bretagne. « À première vue, j’aurais pu le prendre pour un des pilotes qui se réunissaient là presque chaque jour, car il était botté, vêtu, coiffé à peu près comme eux, pour affronter le vent et la pluie de la côte… » Quelques lignes plus loin Geffroy ajoute : « Un fort gaillard, vêtu d’un tricot, coiffé d’un béret, la barbe en broussaille et les yeux brillants, aigus qui me transpercèrent dès la porte. »
En 1919, Monet qui vivait presque en ermite à Giverny, non loin de Vernon, eut la visite de Fernand Léger qui a vu devant lui « un petit homme coiffé d’un panama et portant un élégant costume gris clair coupé à l’anglaise… Il avait une grande barbe blanche, un visage rosé et de petits yeux gais et vifs reflétant un peu de méfiance… »
Les portraits littéraires et picturaux représentent Monet comme un homme instable, versatile et inquiet. Il pouvait donner l’impression d’être audacieux et résolu, il pouvait sembler (surtout dans la deuxième moitié de sa vie) sûr de lui et calme. Mais le calme et la maîtrise de soi chez Monet n’étaient qu’une apparence.
Ses amis de jeunesse, Bazille, Renoir, Cézanne, Manet et ceux qui venaient le voir à Giverny, Gustave Geffroy, Octave Mirbeau et Georges Clemenceau, savaient bien à quels accès d’insatisfaction il était sujet et quels doutes affreux il éprouvait. La colère accumulée, le mécontentement de soi-même se manifestaient dans des actes déchaînés, spontanés, au cours desquels Monet détruisait des dizaines de toiles, grattant la couleur, les découpant en morceaux et les brûlant parfois.
Le marchand de tableaux Paul Durand-Ruel, auquel Monet était lié par un contrat, recevait de lui une quantité de lettres qui lui demandaient de retarder le jour de la présentation des tableaux. Monet disait qu’il a « non seulement gratté, mais crevé » les études commencées et que, pour être satisfait, il devait apporter des corrections et que le résultat n’était pas en rapport avec le mal qu’il s’était donné et qu’il était « dans une mauvaise passe ; bon à rien ».
Le peintre était capable d’accomplir des actes héroïques, dictés par le devoir et par un sens civique noble, et en même temps il montrait parfois de la lâcheté, et avait des sautes d’humeur incohérentes. En 1872, accompagné du peintre Eugène Boudin, Monet rendit visite à l’idole de sa jeunesse, Gustave Courbet, qui était alors en prison. Cet événement n’était en soi pas très important, mais dans les conditions de persécution générale auxquelles était soumis le communard Courbet, ce geste était de la part de Monet, hardi et noble.
Envers la mémoire d’Édouard Manet, Monet agit comme ne le fit aucun de ceux qui avaient appartenu à l’entourage de l’ancien chef du groupe des Batignolles. En 1889, ayant appris du peintre américain Sargent que l’ Olympia de Manet pouvait être vendue aux ╔États-Unis, Monet mobilisa l’intelligentsia française pour faire une collecte et acheter le tableau afin de le remettre au Louvre. Dans les années 1890, lors de l’affaire Dreyfus, Monet prit le parti des Dreyfusards, admirant le courage d’Émile Zola.
Pierre-Auguste Renoir , Portrait de Claude Monet , 1872.
Huile sur toile, 61 x 50 cm. Musée Marmottan, Paris.
La Pointe de la Hève à marée basse , 1865.
Huile sur toile, 90,2 x 150,5 cm. Kimbell Art Museum, Fort Worth (Texas).


L’Impressionnisme


Les Impressionnistes et l’école classique

L’épisode suivant révèle la générosité de son caractère : devenu veuf, Monet s’unit dans les années 1880 à Alice Hoschedé qui avait cinq enfants d’un premier mariage. Monet les accueillit de grand cœur et les appela toujours « mes enfants ». Mais sa conduite fût moins noble lorsque, à la fin des années 1860, dans une période de grande pauvreté et d’incompréhension, il abandonna plusieurs fois sa première femme Camille et son petit garçon Jean. Le désespoir l’emportant, il se jetait à corps perdu dans n’importe quelle entreprise pour fuir son entourage et quitter l’endroit où il avait connu des échecs dans sa vie quotidienne et artistique. Un jour, il voulut même se suicider. Il se conduisit incorrectement envers les autres impressionnistes lorsque, suivant l’exemple de Renoir, il refusa de participer à la cinquième, sixième et huitième exposition du groupe, violant ainsi « l’union sacrée ». Degas, apprenant le refus de Monet d’exposer en 1880 avec les impressionnistes, l’accusa de faire une publicité tapageuse. Il était absolument intolérant et injustement hostile envers Paul Gauguin. Ces exemples révèlent l’ambiguïté du caractère de Monet.
Il semble qu’il soit risqué de diviser une personnalité en deux : d’un côté, un homme ordinaire dans toute sa complexité et avec sa vie trépidante, d’un autre, un peintre brillant qui a inscrit son nom dans l’histoire de l’art mondial. Les grandes œuvres ne sont pas créées par des prototypes humains idéaux et si la connaissance de leur caractère n’aide pas à comprendre leurs chefs-d’œuvre, celle-ci est importante pour en saisir la genèse.
Les tâtonnements de Monet, le constant mécontentement de soi, la spontanéité et une grande sensibilité se transformant en un esprit froid et méthodique, la conscience de soi comme personnalité associée aux intérêts de son temps et un individualisme très prononcé, tous les traits de son caractère éclairent le processus de son travail et son attitude envers l’art.
Ce groupe de jeunes gens – les futurs impressionnistes – se forma au début des années 1860. Claude Monet, fils d’un boutiquier du Havre, Frédéric Bazille, fils de parents aisés de Montpellier, Alfred Sisley, jeune homme issu d’une famille anglaise vivant en France, et Auguste Renoir, fils d’un tailleur parisien, tous étaient venus étudier la peinture à l’atelier indépendant du professeur Charles Gleyre. À leurs yeux, Gleyre, et pas un autre, incarnait l’école classique de peinture. Au moment de sa rencontre avec les impressionnistes, Charles Gleyre avait soixante ans. Né en Suisse, sur les rives du lac Léman, il vivait en France depuis qu’il était enfant. Après avoir terminé l’École des Beaux-Arts, Gleyre passa six ans en Italie. Son succès au Salon de Paris le rendit célèbre. Il enseignait dans l’atelier organisé par un peintre de salon renommé, Hippolyte Delaroche. Sur des sujets pris dans les Saintes Écritures et la mythologie antique, le professeur peignait de grands tableaux construits avec une clarté toute classique. La plastique de ses modèles de nus féminins ne peut se comparer qu’avec les œuvres du grand Dominique Ingres. Dans l’atelier de Gleyre, les étudiants recevaient une formation classique traditionnelle tout en restant indépendants des exigences officielles de l’École des Beaux-Arts.
Le Phare de l ’ hospice , 1864.
Huile sur toile, 54 x 81 cm. Kunsthaus Zürich, Zurich.
Alfred Sisley, Les Péniches , vers 1870.
Huile sur toile, 69 x 100 cm. Musée de Dieppe.


Nul mieux qu’Auguste Renoir, dans ses conversations avec son fils, le grand cinéaste Jean Renoir, n’a parlé des études des futurs impressionnistes chez Gleyre. Il décrivait le professeur comme « un Suisse puissant, barbu et myope », Quant à l’atelier, qui se trouvait au Quartier latin, sur la rive gauche de la Seine, il disait que c’était « une grande pièce nue, bourrée de jeunes gens penchés sur leurs chevalets. Une baie vitrée, située au nord suivant les règles, déversait une lumière grise sur un modèle ». Les étudiants étaient très différents les uns des autres. Les jeunes gens de familles riches, qui « jouaient aux peintres », venaient à l’atelier en veste et béret de velours noir. Claude Monet appelait avec mépris cette partie des étudiants, avec leur esprit étroit, « des épiciers ».
La blouse de travail blanche de peintre en bâtiment, que portait Renoir en travaillant, faisait l’objet de leurs railleries. Mais Renoir, tout comme ses nouveaux amis, ne réagissait pas. « Il était là pour apprendre à dessiner des figures », raconte Jean Renoir. « Il couvrait son papier de traits de fusain et, bien vite, le modèle d’un mollet ou la courbe d’une main l’absorbaient complètement ». Pour Renoir et ses amis, les cours n’étaient pas un jeu, bien que Gleyre fût déconcerté par l’extraordinaire facilité avec laquelle travaillait Renoir. Celui-ci reproduisait les reproches de son professeur avec cet amusant accent suisse dont se moquaient les étudiants : « Cheune homme, fous êdes drès atroit, drès toué, mais on tirait que fous beignez bour fous amuser. ». « C’est évident, répondit mon père, racontait Jean Renoir, si ça ne m’amusait-pas, je ne peindrais pas ! »
Tous les quatre brûlaient du désir de bien posséder les principes de l’art pictural et de la technique classique : c’était pour cela, après tout, qu’ils étaient venus chez Gleyre. Ils étudiaient le nu avec application et passaient avec succès tous les concours obligatoires, recevant des prix pour le dessin, la perspective, l’anatomie, la ressemblance. Chacun de ces futurs impressionnistes, à un moment ou à un autre, reçut les félicitations de son professeur. Pour faire plaisir à ce dernier, Renoir peignit un jour un nu selon toutes les règles, comme il le dit : « chair en caramel émergeant d’un bitume noir comme la nuit, contre-jour caressant l’épaule, l’expression torturée qui accompagne les crampes d’estomac. »
Le Bord de mer à Honfleur , 1864-1866.
Huile sur toile, 60 x 81 cm. Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles.
Gustave Courbet , Crépuscule, Trouville , vers 1870.
Huile sur toile, 71,8 x 103,2 cm. Collection privée.
Rue de la Bavolle à Honfleur , 1864.
Huile sur toile, 55,9 x 61 cm. Museum of Fine Arts, Boston.


Les Prédécesseurs

Gleyre considéra cela comme une moquerie. Son étonnement et son indignation n’étaient pas gratuits : son élève avait prouvé qu’il pouvait parfaitement peindre comme l’exigeait son professeur, alors que tous ces jeunes gens s’employaient à représenter leurs modèles « comme ils sont tous les jours de la vie. » Claude Monet se souvenait de la manière dont Gleyre s’était comporté envers une de ses études de nu :

« Pas mal, s’écria-t-il, pas mal du tout, cette affaire-là. Mais c’est trop dans le caractère du modèle. Vous avez un homme trapu. Il a des pieds énormes, vous les rendez tels quels. C’est très laid, tout ça. Rappelez-vous donc, jeune homme, que lorsqu’on exécute une figure, on doit toujours penser à l’antique. La nature, mon ami, c’est très beau comme élément d’étude, mais ça n’offre pas d’intérêt. » (François Daulte, Frédéric Bazille et son temps , Genève, Pierre Cailler, 1952, p. 30).

Pour les futurs impressionnistes, c’était justement la nature qui offrait de l’intérêt. Renoir racontait que, déjà lors de leur première rencontre, Frédéric Bazille lui avait dit : « Les grandes compositions classiques, c’est fini. Le spectacle de la vie quotidienne est plus passionnant. » Tous donnaient la préférence à la nature vivante, et le mépris de Gleyre pour le paysage les indignait. « Le paysage lui semblait un art de décadence », racontait un des élèves de Gleyre, « et l’importance si glorieuse qu’il s’est conquise dans l’art contemporain, une usurpation ; il ne voyait guère dans la nature que des encadrements et des fonds, et en réalité il ne l’a jamais fait servir qu’à cet usage accessoire, bien que ses paysages aient toujours été traités avec autant de conscience et de soin que les figures qu’ils étaient chargés d’encadrer. » Toutefois, il était difficile, dans l’atelier de Gleyre, de se plaindre de quelque contrainte que ce fût. Il est vrai qu’au programme des études figuraient la sculpture antique et la peinture de Raphaël et d’Ingres au Louvre.
Cependant, les élèves jouissaient d’une liberté totale. Ils acquéraient les connaissances indispensables en technique et technologie de la peinture, la maîtrise de la composition classique, la précision du dessin et la beauté du trait, bien que plus tard les critiques eussent justement souvent reproché aux impressionnistes l’absence de tels acquis. Monet, Bazille, Renoir et Sisley quittèrent leur professeur très vite, dès 1863. Le bruit courut que l’atelier fermait à cause du manque d’argent et de la maladie de Gleyre. Au printemps 1863, Bazille écrivait à son père : « M. Gleyre est assez malade, il paraît que le pauvre homme est menacé de perdre la vue. Tous ses élèves en sont fort affligés, car il est fort aimé de ceux qui l’approchent. »
Néanmoins, là n’était pas la seule raison de la fin de leur apprentissage scolaire. Ils sentaient probablement que, pendant le temps passé à l’atelier, ils avaient déjà reçu de leur professeur tout ce qu’il était en mesure de leur donner. Ils étaient jeunes et pleins d’ardeur. Les idées concernant le renouveau de l’art les poussaient à partir le plus vite possible de l’atelier pour se plonger au cœur de la vraie vie et de son dynamisme. En revenant de chez Gleyre, Bazille, Monet, Sisley et Renoir passaient à la Closerie des Lilas, un café à l’angle du boulevard Montparnasse et de l’avenue de l’Observatoire, où ils discutaient longuement des orientations futures de la peinture. Bazille y amena son nouveau camarade, Camille Pissarro, qui avait quelques années de plus qu’eux. Les membres de ce petit groupe se donnèrent le nom d’ « intransigeants ». Ensemble, ils rêvaient à une nouvelle période de Renaissance. Bien des années après, le vieux Renoir parlait avec enthousiasme de cette époque à son fils. « Les ‘intransigeants’ aspiraient à fixer sur la toile leurs perceptions directes, sans aucune transposition », écrit Jean Renoir.

« L’école officielle, imitation de l’imitation des maîtres, était morte. Renoir et ses compagnons étaient bien vivants. (…) Les réunions des ‘intransigeants’ étaient passionnées. Ils brûlaient du désir de communiquer au public leur découverte de la vérité. Les idées fusaient, s’entrecroisaient, les déclarations pleuvaient. L’un d’eux proposa très sérieusement de brûler le Louvre. »

C’est Sisley le premier, semble-t-il, qui entraîna ses amis en forêt de Fontainebleau pour peindre des paysages. À présent, au lieu d’un modèle nu savamment placé sur un podium, ils avaient devant eux la nature, la diversité infinie du feuillage frémissant des arbres, qui changeait constamment de couleur au soleil. « Notre découverte de la nature nous tournait la tête », disait Renoir. Vraisemblablement, dans leur ferveur vis-à-vis de la nature, un rôle important fut joué également par la présentation au public, en cette même année 1863, du tableau d’Edouard Manet, Le Déjeuner sur l ’ herbe , qui avait autant ébahi les jeunes peintres que les spectateurs et les critiques. Manet avait déjà commencé à réaliser ce à quoi ils rêvaient ; il avait déjà fait les premiers pas qui l’éloignaient de l’école classique et le rapprochaient de la vie moderne environnante.
Embouchure de la Seine à Honfleur , 1865.
Huile sur toile, 89,5 x 150,5 cm. Norton Simon Museum, Pasadena.
Gustave Courbet , Le Bord de mer à Palavas , 1854.
Huile sur toile, 37 x 46 cm. Musée Fabre, Montpellier.
Gustave Courbet , Le Bord de mer à Palavas , vers 1854.
Huile sur toile, 60 x 73,5 cm. Musée Malraux, Le Havre.
Édouard Manet , Le Déjeuner sur l’herbe, 1863.
Huile sur toile, 208 x 264,5 cm. Musée d’Orsay, Paris.


Malgré tout, l’intention de « brûler le Louvre » n’était pas une conviction, mais simplement une expression irréfléchie, lancée dans le feu de la discussion. À la question de savoir si l’atelier classique de Gleyre lui avait apporté quelque chose, le vieux Renoir avait répondu à son fils : « Beaucoup, et cela malgré les professeurs. Le fait de devoir copier dix fois le même écorché est excellent. C’est ennuyeux, et, si tu ne payais pas pour cela, tu ne le ferais pas. Mais pour vraiment apprendre, il n’y a encore que le Louvre. »
Les « intransigeants » savaient apprendre au Louvre. Le musée leur offrait un choix richissime de maîtres, et ils pouvaient s’approprier celles de leurs qualités qu’ils recherchaient eux-mêmes en peinture. En fait, c’était leur seconde école. Les maîtres vénitiens du xvi e siècle et Rubens leur apprenaient la beauté de la couleur pure. Mais, peut-être, plus proche des impressionnistes, était l’expérience de leurs compatriotes. La peinture d’Antoine Watteau n’échappa pas à leur attention. Ses touches fragmentées de couleur vive, son aptitude à rendre, par des nuances de couleur extrêmement délicates, le frémissement de la nature, jouèrent un grand rôle pour l’impressionnisme, tout comme la manière expressive d’Honoré Fragonard. Déjà, au xviii e siècle, ces deux peintres s’étaient distanciés des tableaux à la surface lisse comme de l’émail. Un œil attentif voyait, dans leurs toiles, combien est grand le rôle de la forme et de la puissance de la touche de peinture. Ils montrèrent que non seulement il ne fallait pas pudiquement dissimuler cette touche, mais qu’on pouvait en faire un moyen de rendre le mouvement et les changements de la nature.
Les peintres nés vers 1840 abordèrent le domaine de l’art avec l’idée que l’on pouvait déjà, dans un tableau, utiliser les motifs de la vie ordinaire. Au début du xix e siècle, dans le genre du paysage, la France continuait à avoir l’attitude la plus conservatrice de l’Europe. Le paysage classique « composé », bien que basé sur l’étude des détails de la nature, l’observation des arbres, des feuilles, des pierres, régnaient sur l’exposition annuelle du Salon. Mais dès le xvii e siècle, les maîtres hollandais avaient peint la nature vivante, bien observée, de leur pays. Dans leurs modestes petits tableaux apparaissaient différents aspects d’une Hollande non imaginaire : son vaste ciel, ses canaux gelés, des arbres recouverts de givre, des moulins à vent et de coquettes petites villes. À l’aide de tons nuancés, ils savaient rendre l’atmosphère humide de leur pays. Dans la composition de leurs tableaux, il n’y avait ni scène classique ni composition à coulisses. Un rivage plat s’étirait parallèlement au bord de la toile, créant l’impression d’un regard direct sur la nature. Aux paysagistes vénitiens du xviii e siècle, on doit un genre spécifique de paysage, la veduta .
Alfred Sisley , Vue sur Villeneuve-la-Garenne sur Seine , 1872.
Huile sur toile, 54 x 65 cm. Musée de l’Ermitage, Saint-Pétersbourg.


Les tableaux de Francesco Guardi, Antonio Canal, Bernardo Bellotto, d’une beauté théâtrale, construits d’après toutes les lois de l’école classique, représentaient des motifs tirés de la réalité. Ils se distinguaient par une telle précision topographique qu’ils sont restés, dans l’histoire de l’art, comme documents reproduisant l’aspect des villes que le temps a détruit. Qui plus est, dans les vedute , il y avait un léger voile de brume humide au-dessus des lagunes vénitiennes et la limpidité particulière de l’air sur les rivages de l’île d’Elbe.
Les futurs impressionnistes s’intéressaient aussi de près aux peintres dont les œuvres n’étaient pas encore devenues l’apanage des musées. Dès la fin du xviii e siècle, en Angleterre, fut fondé le « sketching-club » ; les peintres qui en faisaient partie travaillaient directement sur le motif et se spécialisaient dans les esquisses légères de paysages. En 1828, à l’âge de vingt-six ans, mourut Richard Parkes Bonington. Le charme de ses paysages réside dans la limpidité et la grâce de ses aquarelles d’où se dégage subtilement la sensation de l’air ambiant.

L’Exposition des impressionnistes

Bonington prit pour motifs des paysages de la Normandie et de l’Île-de-France, des endroits où, plus tard, peignirent tous les impressionnistes. Ils connaissaient, probablement, aussi les œuvres de l’Anglais John Constable, chez qui ils pouvaient apprendre à percevoir un paysage dans son intégralité et à sentir la force d’expression d’une touche de peinture. Ses tableaux achevés gardent leur caractère d’esquisses et la fraîcheur des couleurs d’études d’après nature. Et, sans nul doute, les impressionnistes connaissaient-ils Joseph Mallord William Turner, qui fut le chef reconnu de l’école anglaise du paysage durant soixante ans, jusqu’en 1851. Turner représentait les effets d’atmosphère. Le brouillard, la brume au coucher du soleil, les nuages de vapeur d’une locomotive ou tout simplement un nuage devenaient, dans sa peinture, des motifs en soi. Turner créa une série d’aquarelles : les « Fleuves de France ». Il commença un poème en peinture, consacré à la Seine, que continuèrent ensuite les impressionnistes. Sa série comprenait un paysage avec la cathédrale de Rouen, prédécesseur des Cathédrales de Rouen de Claude Monet.
Au milieu du xix e siècle, les professeurs de l’École des Beaux-Arts de Paris enseignaient, comme par le passé, le « paysage historique » dont les modèles parfaits avaient été créés au xvii e siècle par Nicolas Poussin et Claude Le Lorrain. Cependant, les impressionnistes ne furent pas les premiers à s’insurger contre les poncifs et à défendre la vérité en peinture.
La Route de Chailly à Fontainebleau , 1865.
Huile sur toile, 97 x 130,5 cm. Ordrupgaard, Charlottenlund, Copenhague.
Le Chêne au Bas-Bréau (Le Bodmer) , 1865.
Huile sur toile, 54 x 40 cm. Collection privée, États-Unis.
Pierre-Auguste Renoir , L ’ Allée cavalière au bois de Boulogne (Madame Henriette Darras) , 1873.
Huile sur toile, 261 x 226 cm. Hamburger Kunsthalle, Hambourg.
Intérieur, après dîner , 1868-1869.
Huile sur toile, 50,2 x 65,4 cm. National Gallery of Art, Washington, D.C.


Auguste Renoir a raconté à son fils une étrange rencontre qu’il fit en 1863 dans la forêt de Fontainebleau. La vue du peintre, vêtu d’une blouse de travail et peignant directement d’après nature, ne convainc pas, pour une raison ou pour une autre, à un groupe de jeunes voyous. L’un d’eux, d’un coup de pied, fit tomber la palette des mains de Renoir, le peintre fut jeté à terre :

« Les filles lui donnaient des coups d’ombrelle ; “ [...] dans la figure, avec le bout ferré, elles auraient pu me crever un œil ! “ Soudain, émergeant des buissons, parut un homme d’une cinquantaine d’années, grand et fort, lui-même chargé d’un attirail de peintre. Il avait une jambe de bois et tenait à la main une lourde canne. Le nouveau venu se débarrassa de son fourniment et bondit au secours de son jeune confrère. À grands coups de canne et de pilon, il eut vite fait de disperser les assaillants. Mon père avait pu se relever et se joindre à la lutte. [...] Bien vite les deux peintres restèrent maîtres du terrain. L’unijambiste, sans écouter les remerciements de son protégé, ramassait la toile et la regardait attentivement. “ Pas mal du tout. Vous êtes doué, très doué “ [...] Les deux hommes s’assirent sur l’herbe, et Renoir raconta sa vie et ses modestes ambitions. L’inconnu se présenta à son tour. C’était Diaz. »

Narcisse Diaz de la Peña appartenait au groupe des paysagistes de l’école de Barbizon. C’était une génération de peintres nés à la fin de la première décennie du xix e siècle et au début de la deuxième. Presque un demi-siècle les séparait des impressionnistes. Les peintres de l’école de Barbizon avaient fait la traditionnelle école classique du paysage, mais, au début des années 1830, elle ne pouvait plus satisfaire ces jeunes artistes. Le Parisien Théodore Rousseau voyagea dans son enfance avec son père, à travers la France et tomba amoureux de ses paysages. Sa biographe raconte :

« Un jour, seul, sans avertir personne, il achète des couleurs et des pinceaux, se rend à la butte Montmartre, au pied de la vieille église que surmontait la tour du télégraphe aérien, et là, il se met à peindre ce qu’il voit devant lui, le monument, le cimetière, les arbres, les murs et les terrains qui y montent. En quelques jours, il termine une étude exacte, ferme, et d’une tonalité très naturelle. Ce fut le signal de sa vocation. »
Camille ou Femme à la robe verte , 1866.
Huile sur toile, 231 x 151 cm. Kunsthalle Bremen, Brême.
Le Déjeuner , 1868.
Huile sur toile, 232 x 151 cm. Städel Museum, Francfort-sur-le-Main.


Il se mit à peindre « ce qu’il voyait devant lui » en Normandie, dans les montagnes d’Auvergne, à Saint-Cloud, Sèvres, Meudon. C’est le Salon de 1833 qui, le premier, rendit célèbre, le nom de Rousseau ; les futurs impressionnistes n’étaient pas encore nés. La Vue prise des côtes de Granville , fit sensation à cause de l’attention portée à un si médiocre motif rustique. Un critique contemporain de Rousseau écrivit que ce paysage « est une des choses les plus vraies et les plus chaudes de ton que l’école française ait jamais produites ». À l’orée de la forêt de Fontainebleau, Rousseau fit la découverte d’un paisible petit village, Barbizon.

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